Los 10 Mejores Anime Live Action

Mucho se ha dicho sobre el nuevo remake de anime live action de Ghost in the Shell. Las acusaciones de blanqueo y una indiferencia general por el material de origen obstaculizaron la producción de la película durante el año pasado, lo que suscita preocupación en el debate actual sobre si los cineastas estadounidenses están equipados para la adaptación de propiedades culturales extranjeras con respecto a sus orígenes.

El proceso de pensamiento y las motivaciones detrás de tales producciones parece fácil de entender. Después de todo, con superhéroes y películas de cómic que dominan el espíritu de la corriente del entretenimiento convencional y que han ganado algunas de las participaciones más taquilleras de las últimas dos décadas, ¿por qué no debería ser igual para las películas de anime?

Al menos, eso es lo que piensan algunos de los estudios más grandes de Hollywood, como lo demuestra el anuncio no solo de Ghost in the Shell, sino de varias otras producciones de anime live action el año pasado.

Con Alita: Battle Angel de Robert Rodriguez programado para el próximo verano, Death Story de Adam Wingard rehace estreno vía Netflix en agosto, Robotech de James Wan también preparándose para la preproducción, Warner Bros y Lionsgate se encuentran respectivamente en el proceso de derechos de opción para hacer un remake de Attack on Titan, y una película anime live action de Naruto.

Parece que la nueva ola de adaptaciones de anime y manga se convertirá en la última tendencia del entretenimiento estadounidense. Por no mencionar el prolongado y difamado intento de Warner Bros con el remake estadounidense de Akira, cuyo nebuloso estado de producción se cierne sobre los fanáticos del original de 1988 como una amenaza vaga y siniestra.

El éxito de taquilla o el fracaso de Ghost in the Shell de Rupert Sanders puede ser una especie de veleta inadvertida, señalando ya sea el apoyo continuo o el mothballing prematuro de esta cadena naciente de producciones de acción real. Sin embargo, los intentos de traducir el anime al cine no son nada nuevo, ya que Japón hace mucho tiempo que ha tenido éxito en Estados Unidos por varias décadas con muchos intentos de adaptar la exportación cultural más prolífica del país a la pantalla grande.

Con el lanzamiento de Ghost in the Shell, Paste ha comisariado una lista de diez de las mejores películas de anime live action hasta la fecha, estos van desde algunos de los esfuerzos más noveles del género, hasta películas que lograron mezclar la pesada schtick tradicionalmente unida a la tarifa del género, congraciandose así en el canon del cine moderno popular.

Anime Live Action – Los Mejores –

X) Guyver II: Dark Hero (1994)

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Si se le hubiera pedido a David Cronenberg que dirigiera una película de acción estilo Súper Sentai en el momento álgido de su fase de «terror corporal», podría haberse parecido a The Guyver.

Adaptado de la serie de manga de 1980 de Yoshiki Takaya, Guyver: Dark Hero, es la continuación directa de la muy criticada adaptación de 1991, una película promocionada por sus impresionantes efectos visuales, cortesía del codirector Joji «Screaming Mad George».

Tiene un desarrollo acotado y un mal manejo del tema, aparte de que es más oscuro y violento. Guyver: Dark Hero es una mejora, aunque no demasiado, cambiando al siempre incómodo Jack Armstrong por el infinitamente más accesible (aunque todavía cursi) David Hayter en el papel de Sean Barker, un joven cuyo cuerpo alberga una biografía dispositivo alienígena orgánico capaz de transformarlo en un arma viviente superpoderosa conocida simplemente como «The Guyver».

Guyver: Dark Hero es notablemente más oscuro que su predecesor, redoblando la descripción de la psique deteriorante de Sean mientras lucha subconscientemente para defenderse de la unidad de Guyver la sed de sangre invasiva mientras lucha contra el crimen por la noche como vigilante.

Después de destruir a la nefasta organización Cronos en la primera película, Sean se ve sacudido por misteriosas visiones para viajar a un sitio arqueológico escondido en busca de un medio para encontrar la paz con Guyver.

Como era de esperar, las cosas van mal, y le corresponde a Sean enfrentarse a una nueva hueste de viles criaturas «Zoanoid» mientras lucha por aceptar su papel de Guyver. Para ser franco, incluso cuando se lo compara con el original, Guyver: Dark Hero se siente como una comedia de errores cinematográficos, con un diálogo dinámico, escenas de luchas duras y una banda sonora mal ajustada de puntajes de sintetizador excesivamente agresivos combinados en un punto.

El anime live action tiene una especie de seguimiento de culto entre los fanáticos de las películas de superhéroes de baja estatura, y se las arregla para poseer una especie de encanto que elude la superabundancia de otros tratamientos de anime de acción real peor manejados.

IX) Riki-Oh: The Story of Ricky (1991) 

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¿Dónde uno siquiera comienza a describir Riki-Oh: La historia de Ricky? para empezar, es una adaptación del manga de artes marciales de Masahiko Takajo y Tetsuya Saruwatari, ambientado en un mundo post-apocalíptico alrededor de 2001, donde cada prisión en la Tierra ha sido privatizada por una camarilla de corruptos hombres de negocios.

Louis Fan es Ricky Ho, un amable estudiante de música  sentenciado a diez años en una instalación de máxima seguridad por asesinar al hombre que orquestó la muerte de su novia. Antagonizado por presos malintencionados y un conspirador auxiliar con las manos en forma de gancho, Ricky debe usar su dominio de las artes marciales y su capacidad sobrehumana para destripar a los seres humanos con sus propias manos para despachar a la notoria Banda de los Cuatro y ganar su libertad.

Riki-Oh es un clásico de culto que combina actuaciones sordas con escenas de lucha profundamente extrañas y gore excesivamente cómico. Desde el ciclópeo asistente de guardia que guarda mentas en su falso ojo, hasta el jefe de guardia que se asemeja a un hombre similar al Juez Doom de Who Framed Roger Rabbit.

La película nunca deja de superar su propia absurdidad, manteniendo constantemente al espectador de puntillas mientras espera hasta que el próximo acto indiscriminado de ultraviolencia se extienda a través de la pantalla. Los efectos protuberantes de la película son a partes iguales irrisorios y efectivos, con escenas suficientes que alcanzan el punto óptimo de un shock alucinante para compensar la mayoría de efectos de bajo presupuesto.

Eso sí, no es lo que uno llamaría una «buena película» por ninguna métrica tradicional, sino una mórbidamente satisfactoria que hace lo suficiente para afirmar su propio y peculiar reclamo de existencia. En resumen, es una gran película para tomar unas cervezas y mirar con un grupo de aficionados de acción o géneros similares. Riki-Oh podría hacerte temblar, podría hacerte reír.. rayos, incluso podría hacerte llorar de la risa. Pero lo que es innegable, es su atractivo para entretener a cualquier persona aficionada al género.

VIII) Gant (2011)

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Kei Kurono es un estudiante de secundaria cobarde y egoísta con poco respeto por nadie más que a sí mismo. Pero cuando él y su ex amigo de la infancia Masaru son asesinados en un acto de coraje durante un espantoso accidente en el metro, los dos resucitan en una habitación llena de otras personas recientemente fallecidas por un misterioso orbe negro que los carga con la tarea de exterminar a los invasores alienígenas disfrazados en la Tierra.

El anime live action de Gantz de Shinsuke Sato y su continuación Perfect Answer son casi remakes beat-for-beat del manga de ciencia ficción  de Hiroya Oku.

El trabajo previo de Sato como diseñador de videojuegos le sienta bien aquí, ya que gran parte de la premisa de Gantz se reduce a una raída gamificación de arquetipos y tropos mientras los protagonistas se mueven de un adversario arbitrario a otro.

Eso no quiere decir que la película no sea agradable. Los efectos de las criaturas y la sangre derramada son tan buenos como lo han sido alguna vez en una adaptación japonesa, y las personalidades iniciales unidimensionales del reparto juegan bien entre sí a medida que avanza la película.

Lo desafortunado de la película es que no mejora la superficialidad del original ni su descripción poco halagadora de las mujeres. La diligencia con respecto al material de origen suele ser recompensada por los fanáticos, pero el hecho de no profundizar y corregir los errores de la serie enmarca esta película como un apéndice agradable, pero inesencial de la serie original.

VII) Rurouni Kenshin (2012)

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La trilogía de Rurouni Kenshin de Keishi Otomo goza de una excelente reputación entre los críticos y fanáticos del manga original de Nobuhiro Watsuki, y por una buena razón.

Piezas de conjunto evocadoras, coreografías de peleas erizadas y una selección de personajes principales más o menos bien combinados se unen para hacer que las películas de Rurouni Kenshin sean algunas de las películas de anime más entretenidas de manera visual hasta la fecha.

Sin embargo.. algo se siente, bueno, «apagado» sobre ellos. Tomemos como ejemplo la primera película, lanzada en 2012. Cada uno de los puntos fuertes de Rurouni Kenshin se compensa con un contrapunto mediocre, a veces incluso deslumbrante. Cuando la acción se torna pesada, la cinematografía pobre acelera de otra manera el manejo de la espada, robando la coreografía de su cinética y haciendo que la acción sea entrecortada y difícil de seguir.

Aunque las representaciones de los actores son en su mayor parte agradables y difieren del material original, a menudo la teatralidad exagerada de sus presentaciones y actuaciones posteriores tienen toda la comedia inadvertida de un musical que de alguna manera se olvidó de incluir números de música.

Condensar una serie de chanbara de varios volúmenes en una trilogía de película es una tarea comprensiblemente desalentadora, y gran parte de la excentricidad antes mencionada, poco característica del material original, podría perdonarse si la película solo se hubiera tomado la molestia de suavizar sus incoherencias en el piso de la sala de montaje. El papel y las apariencias de muchos de los personajes de la serie original se truncan significativamente o se combinan entre sí, y como resultado, las motivaciones detrás de sus acciones se convierten en víctimas inadvertidas en el movimiento a la acción en vivo.

¿Por qué Udon Jin-e usa la técnica de la espada de Kamiya para hacerse pasar por el Battosai, cuando no tiene ninguna razón personal para guardar rencor contra el dojo de Kamiya? tu invitado es tan bueno como el mío.

Esta y otras inconsistencias más cuestionables surgen de la instalación inicial y terminan a lo largo del resto de la trilogía. Dicho todo esto, Rurouni Kenshin sigue siendo una adaptación muy útil con representaciones sólidas, y unas escenas de acción increíbles.

VI) Golgo 13: Assignment Kowloon (1977) 

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Duke Togo es un hombre sin nombre, sin nacionalidad, sin lazos cercanos. Solo un talento para matar y una destreza despiadada para ver sus asignaciones hasta el final. Adaptado del famoso manga criminal de Takao Saito, Golgo 13: Assignment Kowloon sigue las hazañas del maestro asesino «Duke Togo», alias «Golgo 13», un francotirador y un artista marcial sobrenaturalmente talentoso que nunca ha fallado en despachar un objetivo.

Contratado por un sindicato criminal estadounidense para asesinar a Chou Lei Fang, un adinerado hombre de negocios y miembro deshonesto del sindicato con base en Hong Kong, Golgo se ve envuelto en un nido de conspiraciones cuando su objetivo es eliminado por un tercero y se ve obligado a continuar.

He aquí la carrera en busca de respuestas. Estimulada y marcada de manera excéntrica en comparación con su predecesora comparativamente adusta de 1972, Assignment Kowloon es un tratamiento adecuado de su material de origen que se acerca a las novelas de suspenso de acción criminal típicas de su época.

Sonny Chiba demuestra ser una excelente elección para el papel de Duke, un solitario taciturno cuyo código de profesionalismo lo deja leal solo a sí mismo. Es una película ocupada, aunque a veces extravagante, con edición frenética, secuencias de lucha decentemente coreografiadas y una banda sonora salvaje que se mueve entre la locura tonal juguetonamente irónica y disonante.

La virtud de adaptar Golgo 13 a una película de acción real es que la fuerza de la serie no se concentra en ningún argumento, sino en el personaje de Golgo mismo, lo que permite a cualquier aspirante a director interpretar el concepto y el tono de la película.

La aptitud de Kowloon para desarrollarse sin importar su origen es la prueba de la vitalidad única, y en su mayor parte sin explotar de la franquicia como forraje para una película moderna de acción real.

V) Death Note (2006)

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Con el remake del director Adam Wingard de You’re Next programado para agosto, no hay mejor momento que ahora para volver al original de Shusuke Kaneko de 2006.

Adaptado de la serie de detectives ocultos manga por Tsugumi Ohba y Takeshi Obata, Death Note sigue la historia de Light Yagami, un estudiante de derecho brillante que se vuelve el dueño de la Death Note, una libreta de otro mundo capaz de poner fin a la vida de quien esté escrito en sus páginas.

Arrogante y desilusionado por la aparente ineptitud del sistema de justicia y el debido proceso, Light es corrompido por este oscuro y embriagador nuevo poder, transformándose en el evasivo vigilante conocido solo como «Kira» y aplicando la «justicia» con discreción frívola.

Todo esto sucede bajo la atenta mirada de Ryuk, un demonio psicópata, y el propietario original de la Death Note, que se ríe desde el costado mientras el idealismo juvenil de Light se erosiona en una sed de sangre y megalomanía patológicas.

Death Note es un fuerte compañero del manga original que podría decirse que eclipsa incluso a la masivamente popular serie animada de 2006 con su trama concisa y su apasionante acción.

Tatsuya Fujiwara cumple con el comportamiento pomposo pero reflexivo de Light, mientras que el turno de Kenichi Matsuyama como consultor detective «L» aparece como rígido (aunque en última instancia en línea con la personalidad del personaje).

De los elementos que la película presenta a la historia, la presentación de Shiori Akino como la novia de Light y el sutil énfasis en el papel de la cultura de la información en la amplificación de la mística de Kira son fuertes y bienvenidas adiciones a la franquicia. En cuanto a las adaptaciones de acción real, Death Note es un ejemplo casi perfecto de una película que muestra la debida deferencia a su origen sin sufrir por ello.

IV) Speed Racer (2008) 

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¡Pelando en la curva en el número cuatro, es Speed ​​Racer en Mach Five! La adaptación de acción en vivo de 2008 de la querida serie de manga y televisión de los años 60 tiene una reputación un tanto dudosa entre los cinéfilos y los fanáticos del original.

Vista desde un punto muy crítico  y financieramente muerta a su llegada desde su lanzamiento inicial, la carta de amor cinematográfica de Wachowski a una de las inspiraciones animadas de su juventud ha ido acumulando un contingente vocal de críticos y audiencias que, sin embargo, lo elogian.

¿La razón? entre la extravagante paleta de colores de la película y los llamativos fondos animados por computadora, Speed ​​Racer logra adaptarse a una historia sincera y conmovedora de amor y perseverancia familiar frente a una adversidad incuestionable.

Es típico de la mayoría de las adaptaciones de propiedades animadas sacrificar la fidelidad a su material de origen en lugar de construir un sentido más elogiable de «realidad» dentro de un formato de acción en vivo, pulpificando las excentricidades del original. Tiene unos efectos visuales bastante digeribles para el público en general.

Speed ​​Racer se apoya incondicionalmente en su premisa como una «película animada de acción en vivo» y apostando por su estética psicotrópica maximalista.

El uso de cámaras de enfoque total durante la producción para comprimir las dimensiones de las imágenes de la película esta bien calculado, de modo que casi todo dentro del cuadro se encuentra en un enfoque perfecto, lo que resulta en una rareza surrealista a lo audaz de lo que ya está en pantalla.

Speed ​​Racer incluye aquel chimpancé y las acusaciones de crueldad animal debido a ello, pero tal vez lo más condenatorio fue la confianza infalible de la película en su audiencia para captar la sinceridad de sus intenciones y el sufrimiento debido a eso.

Con el tiempo llega la perspectiva, y los varios años desde el lanzamiento de Speed ​​Racer solo han servido para resaltar la necesidad de su reevaluación.

III) Oldboy (2003)

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Hay otras adaptaciones de manga y anime, y luego.. está Oldboy XD. La película de Park Chan-wook de 2003 le ganó reconocimiento mundial como director, le otorgó el codiciado premio Grand Prix en el Festival de Cine de Cannes de 2004, los elogios de artistas como Quentin Tarantino y el salto de su carrera al escenario internacional.

Adaptado de Garon Tsuchiya y del manga criminal de Nobuaki Minegishi de 1996, Oldboy sigue la historia de Oh Dae-su, un asalariado común que, después de una pelea de borrachos en medio de celebrar el próximo cumpleaños de su hija, es secuestrado en una prisión de una sola habitación durante quince años.

Dirigido al borde de la locura, Oh Dae-su es liberado misteriosamente de su cautiverio y emprende un camino para matar a la persona que le robó la vida. Pero las respuestas que busca Dae-su pueden enviarlo inadvertidamente a nuevas profundidades de desesperación y depravación.

Todo sobre Oldboy habla sobre el talento y la artesanía de los involucrados en su producción, desde la música de Jo Yeong-wook, hasta la espectacular cinematografía de Chung Chung-hoon y la edición de Kim Sang-bum.

Sería negligente finalizar dejando de lado la infame escena de la pelea en el pasillo, que en el transcurso de una sola toma de cuatro minutos consume la transformación radical de Oh Dae-su de un regordete charlatán, a un luchador endurecido de implacable sazón. Si todavía no has visto Oldboy, te recomiendo que lo hagas de inmediato. Cuando hayas terminado, es hora de volver a verla XD.

II) Lady Snowblood (1973)

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La mayoría de los padres se esfuerzan por dejar un legado para sus hijos, o al menos una garantía de su continua felicidad. Para Yuki Kashima, su herencia era el deseo de venganza de su madre, una venganza, saciada solo a través de la sangre de los torturadores de su familia.

Lady Snowblood de Toshiya Fujita es una maravilla sensual y deslumbrante del cine de la venganza, una película exquisita cuyo estilo, escritura, acción, y estructura eminentes le dieron la entrada a la estética y el tono de lo que fue Kill Bill de Quentin Tarantino.

Adaptada del manga de Kazuo Koike y Kazuo Kamimura, Lady Snowblood sigue a la huérfana Yuki cuando, criada desde la infancia para convertirse en una «Asura», una encarnación viva de venganza que existe con el único propósito de vengar la muerte de su familia a manos de un repugnante cuadro de conspiradores.

Meiko Kaji es magistral en su interpretación de Yuki, cuya convicción decidida de vengar a una familia de la que nunca conoció desmiente una gran cantidad de angustia y fatalismo que se están gestando bajo la suavidad de su comportamiento.

La acción en Lady Snowblood es emocionante, con un trabajo de cámara de pies rápidos, un bloqueo inteligente y géiseres gratuitos de sangre que transforman escenas del caos en el arte de Pollock.

La película es una toma inspirada del manga, integrando paneles y páginas del original en la película para convertirse en una meditación sobre la cuestión de dónde termina la verdad y dónde comienza la leyenda.

Una película independiente y segura, su secuela Lady Snowblood: Love Song of Vengeance también es altamente recomendada, y pone a Yuki en otra peligrosa búsqueda de asesinato mientras aún se recupera de la indiferente duda que persiste a través de una existencia ahora sin propósito.

I) Lone Wolf and Cub: Baby Cart at the River Styx (1972)

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La serie Lone Wolf and Cub es una de las series de acción más célebres de todos los tiempos, calificándola como la visualización requerida para cualquier fanático cinéfilo o chanbara reconocido.

Adaptado de la influyente serie de manga de Kazuo Koike y Goseki Kojima, las películas siguen las historias de Itto Ogami, ex alto ejecutor del shogunato Tokugawa convertido en asesino ronin, y de su hijo Daigoro.

Expulsado por una facción rival y enmarcado por un crimen que no cometió, renunció a su honor y se comprometió con la vida de un sable ambulante, cortando una franja de venganza y retribución a través del campo japonés mientras era acosado por las maquinaciones del traidor uruguayo del Clan Yagyu.

Recomendar solo una de las películas de Lone Wolf y Cub es como una tarea de tontos, pero si te presionan, no podrías hacer una mejor introducción a la serie que una doble característica de Lone Wolf y Cub: Sword of Vengeance, seguida de Lone Wolf: Baby Cart At The River Styx.

Tal vez más conocida en Estados Unidos como Shogun Assassin, que se dividió partes de ambos en una única característica que inspiraría a ciertos grupos, como el hip-hop Wu-tang Clan.

Las dos películas muestran los dos extremos del espectro del núcleo de la serie. Sword of Vengeance es una historia de origen consumado, con una hermosa cinematografía, un diseño de sonido novedoso, y un juego de espadas tenso, mientras que Baby Cart at the River Styx resuena en un nivel de momento a momento, con secuencias de lucha deslumbrantes que solo continúan aumentando en su composición elaborada, incluyendo la conclusión tensa y sin aliento de la película.

Al igual que la adaptación de Lady Snowblood por parte de Fujita, las series Lone Wolf y Cub son una rara confluencia de creatividad colaborativa que engendra una brillantez cinematográfica. ¿Qué mejor opción que el autor Kazuo Koike mismo para escribir el guión, o Kenji Misumi de «The Tale of Zatoichi» para dirigir? ¿y qué hay de Tomisaburo Wakayama, cuya actitud severa y ceñuda refleja perfectamente la rabia silenciosa y la habilidad eminente de Itto Ogami?

Naturalmente, los planes para una nueva entrega de la serie están actualmente en proceso, en conjunto con el director de Fast & Furious, Justin Lin. Quién sabe qué tal pudiera ser la película, o si incluso será producida.

Independientemente, en el tótem de los remakes de anime live action y manga, las series Lone Wolf y Cub reinan con una supremacía incontestada, no solo como una de las mayores adaptaciones de su tiempo, sino también como una de las mejores series de acción de todos los tiempos.

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